Artistes fondateurs

L’œuvre d’Alain Bielle, dit Bartole, s’inscrit dans une recherche profonde de la courbe et de l’élégance, où la simplification des formes devient un langage à part entière. Son travail re-pose sur des allers-retours constants entre peinture et sculpture, dans un dialogue nourri par une pratique du dessin à laquelle il accorde une attention essentielle. De cette circulation permanente entre les disciplines naît une véritable osmose, où chaque médium enrichit l’autre.

La dimension sensible et délicate de son œuvre se révèle précisément dans cette interaction entre surface et volume. La sculpture émerge de la peinture comme une émancipation du relief : les lignes sinueuses, longtemps contenues dans la toile, semblent chercher à s’en extraire pour investir l’espace. Corps élancés, formes en tension, elles prolongent le geste pictural dans une troisième dimension. Comme le résume l’artiste : « Ma sculpture est donc née des tableaux. La ligne y est plus vive, sans modulation, directe. »

Cette écriture graphique, affirmée et maîtrisée, structure l’espace qu’il soit bi ou tridimensionnel. Elle le formalise, l’explore et le déploie, jouant sur les déformations et les prolongements, amplifiant les volumes et valorisant les rythmes. Les formes épurées, associées à une palette de couleurs aux résonances multiples, possèdent un pouvoir polysémique qui irrigue l’en-semble du champ créatif de Bartole.

Ainsi, couleurs et lignes pénètrent les profondeurs conceptuelles de l’œuvre pour en extraire une quintessence plastique, où le sensible et le raffinement se rejoignent dans une recherche constante d’équilibre, de fluidité et de tension maîtrisée.

Quand elle commence une toile, Mysa se laisse happer toute entière par la matière et les couleurs, avec gourmandise et sensualité. La passion créatrice exacerbe ses sens. On peut définir sa peinture comme une « Peinture d’émotion de l’instant et de l’instinct ». Cela se traduit par un lâcher-prise : elle s’engouffre dans la toile pour y souffler tous ses sens en éveil, comme un jet d’émotion trop longtemps retenu, afin d’y transfigurer sa création. Qu’elle soit abstraite, figurative, urbaine, hispanique ou autre, sa peinture se reconnaît à ses toiles fortes et hautes en couleurs. Elles témoignent d’une rencontre intime entre son réel et son imaginaire, de cet instant fugace où elle capte la vitalité, l’énergie et le rythme de son besoin de peindre. Elle s’expose sans retenue et donne à voir son animalité, ses émotions, dans l’éphémère d’un geste ou d’une respiration picturale. Sa peinture pourrait se définir comme une explosion de couleurs toujours maîtrisée où l’on ressent des vibrations de vie.

Le travail de Florence Trottoli s'enracine dans une quête profonde de justesse et de poésie. Après avoir exploré l'expression du monde intérieur par la danse et l’écriture, elle trouve dans la peinture figurative un espace de résilience et de transmission. Sa pratique, principalement à l'acrylique et au pastel, privilégie le suggéré et la mémoire des lieux, avec un ancrage symbolique fort dans les paysages de Provence et la présence immuable du Mont Ventoux.

Autodidacte dès 2011, c'est en 2022 que sa démarche prend un tournant décisif et professionnel. Guidée par l'étude des Maîtres et encouragée par des rencontres artistiques majeures, elle développe une technique exigeante qui refuse l'enfermement stylistique. Pour elle, l’art est un langage de l'authenticité : chaque toile est une recherche constante de beauté et de profondeur, une manière de donner le meilleur de soi pour toucher l'universel.